Ranking Sencillos de Los Beatles (1962-1970)

Vamo' a hacer quilombo.

Entre 1962 y 1970, los Beatles publicaron en Gran Bretaña 22 sencillos a su nombre. Probablemente, el catálogo de singles más icónico de la historia del rock.

En este ranking voy a juzgar tanto el lado A (o los lados A) como el lado B. Como siempre, las calificaciones van del 1 al 5 y el resultado final será el promedio de todas las canciones del sencillo. En este caso, la cuenta es bastante simple: siempre son dos por 45'.

¡Empecemos!

Love Me Do (1962)

Love Me Do 3

P.S. I Love You 3

Total = 6/2 = 3

Un debut humilde, pero más que digno. Ambas canciones fueron escritas por la banda, algo poco común para un grupo debutante de la época.

Prefiero la versión de Love Me Do del álbum. La batería tiene un poco más de presencia, aunque no la toque Ringo. Pero nada le gana a esa armónica.

P.S. I Love You tiene un formato de carta muy simpático. (~You, you, you~).

Please Please Me (1963)

Please Please Me 3,5

Ask Me Why 3,5

Total = 7/2 = 3,5

El primer gran éxito de la banda ya muestra una pequeña evolución. Es muy pegadizo y tiene un puente que, cuando termina y vuelve al verso, da la sensación de que logramos algo.

Ask Me Why la descose con las armonías. Aunque son simples, generan una sensación de dulzura y sensibilidad que pocos grupos masculinos de la época lograban transmitir.

From Me To You (1963)

From Me To You 3

Thank You Girl 3

Total = 6/2 = 3

Se nota la facilidad de Lennon y McCartney para escribir melodías que, a primera vista, parecen sonsas, pero se te quedan atrapadas en la cabeza. From Me To You dura menos de dos minutos pero después no parás de repetirla una y otra vez.

Thank You Girl se siente como un descarte. Ya desde temprano tenemos un poco de "Beatles by Numbers". Qué locura.

She Loves You (1963)

She Loves You 4

I'll Get You 3

Total = 7/2 = 3,5

¡Ahora sí estamos hablando! She Loves You rockea como Dios manda. La batería de Ringo es una fuerza constante, con los golpes al hi-hat dándole muchísimo brillo a la canción y unos fills mortales. Y qué buena intro, arrancando directamente con el estribillo.

Después tenés los "Yeah, Yeah, Yeah", que ya son un sello de esta primera etapa del grupo. En general, todos los instrumentos y las voces suenan más fuertes que de costumbre, una decisión de mezcla crucial para transmitir esa energía.

I'll Get You se siente un poco vieja incluso para su época. Y aunque la letra pueda resultar algo controversial hoy en día... ~Oh yeah, oh yeah~.

I Want To Hold Your Hand (1963)

I Want To Hold Your Hand 4

This Boy 4

Total = 8/2 = 4

Qué dúo. Estas fueron las dos canciones que catapultaron a los Beatles al éxito en los Estados Unidos, y después al mundo.

Tranquilamente podría haber sido un doble lado A, aunque obviamente I Want To Hold Your Hand está hecha para la radio, divertida como ella sola. Pero This Boy me vuela la cabeza, con esa triple armonía vocal y esos delicados toques de guitarra de Harrison.

Can't Buy Me Love (1964)

Can't Buy Me Love 4

You Can't Do That 4

Total = 8/2 = 4

Can't Buy Me Love suele llevarse toda la atención, pero You Can't Do That le pisa los talones. Definitivamente, la banda empieza a dejar atrás el pop más directo de sus primeros lanzamientos para abrazar un sonido mucho más fuerte y rockero.

Lennon y McCartney también empezaban a mostrar distintas facetas de su personalidad, con un Paul más enérgico y John dejando escapar su costado más ácido y celoso.

A Hard Day's Night (1964)

A Hard Day's Night 4,5

Things We Said Today 4

Total = 8,5/2 = 4,25

Ese acorde desconocido te agarra y no te suelta. ¿Qué sería de nosotros si este tema no hubiese existido? Estaríamos todos muertos, seguramente.

La cara B queda bastante opacada, pero es una joyita temprana del Macca que no se debe ignorar. Buen uso de la batería para diferenciar los versos más tranquilos del estribillo, le da muchísimo carácter.

I Feel Fine (1964)

I Feel Fine 4

She's A Woman 3,5

Total = 7,5/2 = 3,75

I Feel Fine adentra a los Beatles al mundo de los riffs. Tiene mucha guitarra, y el feedback al inicio le voló la cabeza al mundo allá en el 64.

She's A Woman es un rockerito un poco extraño de Paul sobre su novia que no le da regalos, pero que lo entiende. Tiene el detalle interesante de que la guitarra rasguea a contratiempo, en el "&" del ritmo de batería.

Ticket To Ride (1965)

Ticket To Ride 4,5

Yes It Is 3,5

Total = 8/2 = 4

¡Dejá de tocar tan bien la batería, Ringo! Ese ritmo sincopado es lo que hace al tema, junto con el lick de guitarra y las armonías. Bah, todo hace a la canción, porque es buenísima.

Yes It Is es como un intento de rehacer This Boy, pero con varias copas encima. Está bien, pero es más lenta que una tortuga.

Help! (1965)

Help! 5

I'm Down 4

Total = 9,5/2 = 4,75

Este simple marca el punto donde los Beatles dejan de hablar de amor tan seguido y comienzan a mirar hacia adentro.

Help! es excelente, los Beatles clásicos en uno de sus puntos más altos. Ya la intro por sí sola merece un premio, ¡pero después sigue!

I'm Down me encanta. McCartney utiliza muy bien su voz camaleónica para encarnar a Little Richard, de la misma forma que lo hacía en el cover de Long Tall Sally, pero convirtiéndolo en algo propio. Muy bueno el solo de piano eléctrico, tocado por John Lennon CON EL CODO. ¡Qué maestro!

Day Tripper/We Can Work It Out (1965)

Day Tripper 4,5

We Can Work It Out 4

Total = 8,5/2 = 4,25

El primer doble lado A del grupo. Aunque ambas canciones están acreditadas a Lennon y McCartney, John fue el principal autor de la primera y Paul de la segunda, y ninguno estaba dispuesto a resignarse a ocupar la cara B.

Tripper es como una versión mejorada de I Feel Fine, y tiene un riff inolvidable. We Can Work It Out tiene una esencia francesa bastante marcada, con el armonio (Que toda la vida creí que era un acordeón) y los cambios de tempo.

Paperback Writer (1966)

Paperback Writer 4,5

Rain 5

Total = 9,5/2 = 4,75

Paperback Writer es la culminación del estilo rockero de Day Tripper e I Feel Fine, aunque con un giro en la letra muy interesante. Paul la escribió en formato de carta, evitando por completo que la canción fuera sobre amor o relaciones románticas, después de que su tía le criticara que todas las canciones de los Beatles hablaban siempre de lo mismo.

Detalle curioso: si escuchan bien, van a notar que, mezclado con la batería, hay un efecto de sonido de una máquina de escribir.

Rain es pesada de escuchar; entiendo por qué fue el lado B, pero es excelente. Es la primera canción puramente psicodélica de la banda, y con una temática tan british como la lluvia. Tiene una de las tres mejores interpretaciones de batería de Ringo, aunque editada y ralentizada para darle ese efecto volado.

Y mamita, lo bien que se escucha el bajo en Rain. Tuvieron que inventar una máquina nueva para fabricar los vinilos de manera que un bajo tan potente no hiciera saltar la púa, pero dio sus frutos.

Yellow Submarine/Eleanor Rigby (1966)

Yellow Submarine 4 

Eleanor Rigby 5

Total = 9/2 = 4,5

El maldito Submarino Amarillo. La inocente interpretación de Ringo y la excelente producción transforman una simple canción infantil en una experiencia divertidísima.

Me imagino las cabezas que Eleanor Rigby voló allá por el 66. Voces y cuerdas, ni un solo Beatle tocando, y una letra oscura que alcanza un nivel de adultez y seriedad que no se parece a nada de lo que los muchachos de Liverpool habían compuesto hasta ese momento.

Penny Lane/Strawberry Fields Forever (1967)

Penny Lane 4,5

Strawberry Fields Forever 5

Total = 9,5/2 = 4,75

Se vuelve a repetir una dicotomía similar a la de Day Tripper con We Can Work It Out, dando lugar a uno de los mejores dobles lados A de la historia de la música.

Paul se inclina hacia un sonido más pop y barroco con Penny Lane, quizás el lado más "beatlesco" del simple, mientras que Lennon decide romper con todo lo establecido.

Strawberry Fields Forever no es solo una obra maestra musical, también es una maravilla desde el punto de vista de la ingeniería de sonido. La versión final está construida a partir de dos tomas completamente distintas, grabadas en tonalidades y velocidades diferentes, que transmitían sensaciones opuestas. El maldito Lennon explotando al pobre George Martin. 

Sin dudas, el productor estrella del cuarteto en su mejor momento.

All You Need Is Love (1967)

All You Need Is Love 3,5

Baby, You’re A Rich Man 4

Total = 7,5/2 = 3,75

Ay dios mío, ¿Qué pasó?

All You Need Is Love es una canción simple, con un mensaje simple, y un solo de guitarra simple. Perfectamente parodiada por Neil Innes con Los Rutles.

El estribillo es universal e icónico, pero, seamos honestos, si no la hubieran escrito los Beatles, los estaríamos boludeando de por vida. Como les pasó a los Stones con We Love You (que para mí es un temazo, eh).

Rich Man fue una grata sorpresa. Genuinamente nunca la había escuchado hasta este ranking. Me encanta la flauta arabesca de fondo y el groove del bajo. El coro es genial, te matás de risa.

Igual, sigo sin entender de qué lado estaba la banda. All You Need Is Love es el tema más hippie jamás escrito, pero el lado B es una burla bastante clara a esa misma comunidad. Qué sé yo... son los Bitles.

Hello, Goodbye (1967)

Hello, Goodbye 4

I Am The Walrus 5

Total = 9/2 = 4,5

Las sensibilidades pop de Macca le ganaron la cara estelar, pero no la guerra. Lennon trae la canción psicodélica por excelencia.

Yo Soy La Morsa no tiene razón ni sentido alguno, y se apropia de eso. La letra es a propósito sobre nada, como una burla para aquellos fans del grupo que buscaban significados ocultos en todo lo que producían. 

Goo Goo G'joob.

Lady Madonna (1968)

Lady Madonna 4,5

The Inner Light 3,5

Total = 8/2 = 4

¡Ey! Primera canción de Harrison en el ranking. Lástima que sea esta.

The Inner Light tiene una linda melodía y la interpretación vocal de George es muy dulce. Su voz es como una pluma en mis oídos. Sin embargo, creo que es la más floja de sus canciones hindúes. Arrancó muy fuerte con Love You To y, de ahí en adelante, fue bajando.

Lady Madonna es un rockerazo muy canchero, que sigue el approach back to basics que el mundo de la música empezaba a adoptar por esos años, después del boom del psych rock.

Hey Jude (1968)

Hey Jude 5

Revolution 5

Total = 10/2 = 5

Hey Jude es larga, pero es Hey Jude. Puede durar diez minutos si quiere.

Por su parte, esta es la versión definitiva de Revolution. Ni Revolution 1 ni Revolution 9 (la 9 nunca estuvo en la conversación). Parte de un blues clásico de doce compases, pero el excelente tono de guitarra, la batería contenida de Starr y el tratamiento de las voces hacen que suene muchísimo más interesante de lo que esa descripción podría hacer creer.

El contenido lírico es bien de la época. Es el debate interno de Lennon sobre si las marchas revolucionarias son el camino correcto o si existen métodos mejores. A años luz de Love Me Do, muchachos.

Qué lástima que John insistiera con gemir en sus canciones por esta época. Al menos acá es leve.

Get Back (1969)

Get Back 4,5

Don't Let Me Down 4,5

Total = 9/2 = 4,5

Dos adelantos de un disco que tardaría un rato en salir. Los teclados de Billy Preston son clave en ambas canciones; por algo es el único artista acreditado junto con los Beatles en una de sus canciones.

Get Back es una zapada, de alta calidad, pero sigue siendo una zapada. Don't Let Me Down prueba otra vez cómo John estaba dispuesto a romperse la voz si la situación lo ameritaba. Me encanta su trabajo de guitarra solista en este tema y en otro del disco de Let It Be, I Dig a Pony.

The Ballad Of John And Yoko (1969)

The Ballad Of John And Yoko 4

Old Brown Shoe 3,5

Total = 7,5/2 = 3,75

La Balada de John y Yoko es el equivalente a un hilo de Twitter en una canción de 1969. El amigo Lennon nos cuenta sus desventuras románticas con Yoko Ono. Es muy pegadiza, no lo voy a negar.

Siempre que publico una entrada también pienso que "me van a crucificar", así que me identifico con el de lentes.

Fue grabada únicamente por Lennon y McCartney, ya que el resto de la banda estaba fuera del país. Hacen un buen trabajo juntos, pero se nota que no es Ringo en batería, de la misma forma que en ese par de canciones del Álbum Blanco.

Old Brown Shoe es medio un quilombo, pero le agarrás cariño. Creo que es el shuffle de batería y que la voz de Harrison esté mezclada tan bajo lo que la arruinan un poco. El resto de los instrumentos también son medio un quilombo. Parece producida por Phil Spector. Mamita...

Come Together/Something (1969)

Come Together 5

Something 5

Total = 10/2 = 5

Something redimió a George Harrison como compositor, demostrando que podía estar tranquilamente al mismo nivel que el dúo dinámico de sus compañeros. Es una de las canciones de amor más bellas del universo, y el arreglo de cuerdas ayuda muchísimo a transmitir ese mensaje tan bonito.

Come Together es una mezcla entre I Am The Walrus y los rockeros de Get Back: otra letra sin sentido, una instrumentación más clásica, pero con una producción espectacular.

Let It Be (1970)

Let It Be 4,5

You Know My Name (Look Up The Number) 4

Total = 8,5/2 = 4,25

Ay, esta versión de Let It Be está muy cerca de ser excelente, pero le falta el solo de Harrison del disco. Y te engaña, porque, por fuera de una o dos diferencias, es casi igual, pero le falta ese momento que eleva a la balada.

Pero bueno, es Let It Be. Ya quisiera uno haberla escrito.

Y la discografía oficial de los Beatles termina con You Know My Name (Look Up The Number). Un tema bizarro, grabado originalmente en 1967 y terminado posteriormente por John y Macca. Es una grabación completamente en joda, muy estúpida, totalmente ida. Pero, ¿saben qué? Está muy buena.

Disfruto mucho el interludio medio bossa nova que tiene en el medio y la parte jazzera del final. No quita que sea un delirio.

Ranking

1. Come Together/Something — 5

2. Hey Jude — 5

3. Penny Lane/Strawberry Fields Forever — 4,75

4. Paperback Writer — 4,75

5. Help! — 4,75

6. Hello, Goodbye — 4,5 

7. Yellow Submarine/Eleanor Rigby — 4,5

8. Get Back — 4,5

9. Day Tripper/We Can Work It Out — 4,25

10. A Hard Day's Night — 4,25

11. Let It Be — 4,25

12. I Want To Hold Your Hand — 4

13. Can't Buy Me Love — 4

14. Ticket To Ride — 4

15. Lady Madonna — 4

16. I Feel Fine — 3,75

17. All You Need Is Love — 3,75

18. The Ballad Of John And Yoko — 3,75

19. Please Please Me — 3,5

20. She Loves You — 3,5

21. Love Me Do — 3

22. From Me To You — 3

Me quedó más normal que el ranking de sencillos de Oasis, hubo muy pocas sorpresas. 

Como siempre, todo esto es por diversión, y ninguna de mis opiniones es ley.

Les pido disculpas a los puristas por haber usado, en su mayoría, las portadas de las ediciones estadounidenses para ilustrar los sencillos. Los simples británicos originales muchas veces salían únicamente en fundas genéricas, así que preferí sacrificar un poco de fidelidad histórica a cambio de una mayor variedad visual.

Muchas gracias a quienes llegaron hasta el final. Como siempre, sus comentarios y opiniones son más que bienvenidos.

¡Hasta la próxima!

~Oh yeah, oh yeah~

Friends ~ The Beach Boys

Zzzzz...

Friends es el decimocuarto disco de estudio de los Beach Boys, publicado el 24 de junio de 1968.

A finales de 1967, los Boys que salían de gira (Osea, todos menos Brian) asistieron a una charla de Maharishi Mahesh Yogi, convencidos por el respaldo público que los Beatles habían brindado al gurú.

El grupo comenzaría a meditar en conjunto y a asistir a más seminarios del Maharishi, aunque serían Mike Love y Al Jardine quienes se volverían más adeptos a sus prácticas. Incluso, Mike viajaría a la India junto con los Beatles y una gran camada de músicos, actores y celebridades, para participar del retiro espiritual en Rishikesh.

Inspirados por estos nuevos avances espirituales en sus vidas, los Beach Boys empezaron a componer en conjunto nuevo material más relajado y pacífico. Y cuando digo en conjunto, es todos. A excepción de Bruce Johnston, cada miembro aportó música y letras a lo que terminaría siendo Friends, el primer álbum verdaderamente "democrático" del grupo.

Brian siguió sacándole jugo a su estudio de grabación personal, ahora expandido y mejorado gracias al reclutamiento del ingeniero de sonido Stephen Desper. Sin embargo, también se realizaron sesiones en estudios más convencionales, permitiendo el regreso de los sesionistas y de arreglos orquestales más complejos.

Si quieren tener una idea de cómo suena Friends, es como si hubiesen agarrado a Little Pad de Smiley Smile y la hubiesen multiplicado por doce. Es un disco carente de conflicto, donde la banda abraza por completo su imagen de niños de coro. Las canciones son pequeñas, muy pocas superan los 2 minutos y abusan del fade out, como si se estuvieran quedando sin tiempo en un LP que dura poco más de 25 minutos.

La mayoría del repertorio mantiene una temática de familia y amigos, con temas como When a Man Needs a Woman y Be Here in the Mornin'. Éste último tiene un impresionante falsete, creo que provisto por Al Jardine, muy operático, que utiliza para representar la voz de una mujer, de la misma forma que Brian lo había hecho en el estribillo de Don't Worry Baby años atrás.

El tema titular es un vals medio extraño, con un estribillo impresionante, pero una mala elección como primer y único sencillo del álbum, aunque tampoco hay mucho material adaptable a la radio.

También tenés canciones que convierten cosas comunes de la vida cotidiana en algo épico, como Wake the World, que trata sobre despertarse a la mañana, o Anna Lee, the Healer, dedicada a una masajista que Mike Love conoció en la India.

Y después tenés los cuatro pilares de Friends: Little Bird, Be Still, Busy Doin' Nothin' y Diamond Head.

Los primeros dos son composiciones originales de Dennis Wilson, con letras del poeta Steve Kalinich. Se nota que el Wilson del medio venía trabajando su estilo desde hacía rato, porque esto no es música amateur: hay muchos matices, algo de funk, y hasta ciertas similitudes con las power ballads en Be Still. Leí que Brian metió mano en Little Bird, pero prefirió no recibir crédito.

Busy Doin' Nothin' es la secuela de I'd Love Just Once to See You. Acompañado por un ritmo de bossa nova y pequeños detalles de guitarra española, Brian nos relata una tarde de su vida, donde llamar a un amigo por teléfono y escribir una carta se sienten como grandes aventuras. Dato curioso: el primer verso tiene indicaciones para llegar a su casa, aunque incompletas.

Dejaron lo mejor para el final. Diamond Head no es simplemente un instrumental, es una pieza de arte atmosférico sobre lo que se siente viajar a Hawái. Escúchenla por favor, mis palabras no le harán justicia.

Y cuando el ukelele y el sonido del mar te están por llevar al éxtasis, VIENE TRANSCENDENTAL MEDITATION CON LAS TROMPETAS BIEN FUERTES A ROMPER TODO. Dios mío, Mike Love tenía una necesidad horrible de poner sus canciones ruidosas justo después de los momentos más tranquilos de cada disco. Además, el tema es malísimo, una letra genérica sobre los beneficios de la meditación del Maharishi y un montón de voces disonantes.

Friends está bien. Es un disco relajante, bonito y corto, pero completamente irrelevante. Piensen que salió en el mismo año que Electric Ladyland, El Álbum Blanco de los Beatles, Wheels of Fire, y Corazón Contento de Palito Ortega.  

Los temas terminan muy rápido y no tienen tiempo a respirar ni desarrollarse. Es una lástima, teniendo en cuenta su importancia histórica como el primer proyecto colaborativo de los Boys.

Es un disco muy para fans y las ventas lo demostraron.

También tuvo un marketing horrible que le hizo aún más daño a la imagen de la banda. Mike Love convenció al Maharishi de salir de gira con ellos y dar pequeños sermones entre los sets del grupo, pero el gurú ya tenía la reputación por los suelos después de que los Beatles se distanciaran públicamente de él después del desastre que fue su retiro espiritual.

Tuvieron que cancelar tantos shows por la escasa venta de entradas, que solo tocaron cinco veces antes de abandonar la gira por completo.

En fin, si tienen problemas para dormir, escuchen Friends. Viene con despertador incluido.

Pet Sounds ~ The Beach Boys

Aquí estamos entonces...

Pet Sounds es el decimoprimer disco de estudio de los Beach Boys, publicado el 16 de Mayo de 1966.

Como mencioné medio por arriba en la reseña del disco navideño de los Boys (Sí, estaba todo planeado), las versiones norteamericanas de los LP de los Beatles eran mezclas frankensteinescas de distintos discos.

El ejemplo más conocido es Rubber Soul, que fue reducido de 14 a 12 temas y vio a su tracklist alterado. Varias composiciones nuevas fueron eliminadas y reemplazadas por canciones que no habían sido incluidas en la edición estadounidense de Help!.

Fue este Rubber Soul el que llegó a los oídos de Brian Wilson. Maravillado por la consistencia sonora del álbum, que después de tantos cambios terminó conformado casi por completo por temas de folk rock, se planteó hacer algo parecido: un disco que mantuviera un hilo conductor claro y priorizara una visión artística por encima del sencillo individual.

Lo que terminó creando fue un proyecto musicalmente atemporal. Aunque utiliza mucha tecnología de su época, al profundizar el costado barroco y melancólico que ya había probado en el lado B de Today!, Pet Sounds suena antiguo y moderno al mismo tiempo.

A eso hay que sumarle los arreglos. Los Beach Boys prácticamente no tocan sus instrumentos esta vez. Por fuera de Carl y de Dennis That's Not Me, el 95% de la instrumentación fue provista por The Wrecking Crew, los mejores sesionistas de toda la industria musical estadounidense del momento

Esto se debió en parte a que el resto de la banda estaba de gira mientras Brian producía los backing tracks, pero también a que, para hacer realidad las ideas cada vez más ambiciosas que tenía en la cabeza, necesitaba a lo mejor de lo mejor.

No solo hay instrumentos comunes, cuerdas y todo el show. Usaron cornetas de bicicleta, electro-theremin, pianos tocados desde dentro y toda clase de sonidos experimentales. Hay ladridos de perros, objetos de percusión extraños y un sinfín de cosas locas.

Tampoco nos olvidemos de las letras. El principal colaborador de Brian en Pet Sounds fue Tony Asher. Asher se dedicaba a escribir jingles publicitarios, pero acá funcionó como el intérprete lírico de los sentimientos de un joven creativo que no terminaba de encajar en el mundo que lo rodeaba. Lejos estamos de Catch a Wave, Little Deuce Coupe y todo ese universo de fantasía adolescente.

Gran parte de la magia de Pet Sounds no se encuentra únicamente en las composiciones, también en la forma en que Brian Wilson las viste y transforma. Lo que vuelve extraordinario al disco no es solo lo que se toca, sino cómo se toca.

Temas como I'm Waiting For The Day o Here Today son los ejemplos más claros de esto. Son buenas canciones, pero no serían así de memorables sin sus arreglos. Probablemente los mejores ejemplos de la producción masiva y "Spectoresca" que caracteriza a Sounds.

Sumado a la decena de músicos tocando juntos en una misma habitación, el sonido de cada instrumento se filtraba en los micrófonos de los demás. Ese "leaking", que en teoría debería ser un problema técnico, termina formando parte del resultado final y ayuda a crear esa cacofonía abrumadora y tan característica.

Algo similar ocurre con los instrumentales. No tienen desperdicio, aunque tal vez no cuenten con tanto valor de reescucha por fuera del contexto del LP. Pero justamente para eso fueron concebidos. Funcionan como acompañamiento atmosférico y como un despliegue del talento de los sesionistas.

Hay tres "números solistas" de Brian, canciones muy íntimas que nos permiten dar pequeños vistazos a su mente

Los primeros dos tienen una participación casi nula del resto de la banda: Don't Talk (Put Your Head on My Shoulder) y Caroline No. Esta última incluso fue publicada como sencillo bajo el nombre de Brian Wilson, sin mencionar a los Beach Boys por ningún lado.

La tercera es I Just Wasn't Made For These Times, que sí cuenta con la participación de los seis miembros y los aprovecha al máximo. Pero líricamente, Wilson la escribió especialmente para él. Es un himno, algo con lo que todos nos podemos identificar.

Y después tenés las verdaderas obras maestras...

Wouldn't It Be Nice es hija de California Girls y We'll Run Away de All Summer Long.

Tiene varios cambios de tempo, esa diferencia tan marcada entre introducción y desarrollo, sumado al increíble juego vocal. Ya no tenemos a varias personas cantando lo mismo, hay una clara división de tareas entre los miembros del grupo.

You Still Believe in Me te hace llorar. Habla de desamor y conflictos de pareja. Deberíamos estar en contra del narrador, pero la manera en que nos presenta su perspectiva, con tanta dulzura y vulnerabilidad, hace imposible no compadecerse.

La introducción es hermosa, con el falsete imitando al piano, y las vueltas melódicas que aparecen al final son tan bellas que podrían continuar para siempre y nadie se quejaría.

Sloop John B es uno de los pocos espacios puramente felices de todo el paquete.

Originalmente era una canción folk de principios del siglo XX que le gustaba mucho a Al Jardine, quien le propuso al grupo grabar una versión. Brian tomó la idea y prácticamente rehizo el tema desde cero.

La combinación de voces entre Brian y Al, sumada a los versos cantados por Mike, da lugar a una interpretación divertidísima, sostenida por una instrumentación campaneante. Y ese instante donde los instrumentos desaparecen y los seis se ponen a cantar juntos a capella es épico.

Y todo realemente culmina con God Only Knows.

Declarada por Paul McCartney como la mejor canción de todos los tiempos, por poco menos de tres minutos nos permite tocar el cielo. 

Una balada romántica llena de contradicciones en su letra, es adornada por la dulce voz de Carl Wilson. Es el momento donde Carl termina de consolidarse como una de las cuatro voces principales del grupo.

God Only Knows tiene un particularidad, que también comparten varias de sus compatriotas, de que no tiene una tonalidad específica. Los acordes rara vez se resuelven de forma tradicional y la canción fluctúa constantemente entre distintos centros tonales.

Todo parece estar exactamente donde debería. Es una canción compleja, pero también accesible, porque nunca presume de serlo.

Creo que ese es el modus operandi de Pet Sounds, complejo pero accesible.

Paradójicamente, el disco no tuvo el impacto inmediato que uno podría imaginar. En Estados Unidos vendió por debajo de las expectativas y fue recibido con bastante menos entusiasmo que en el Reino Unido, que gracias a una exitosa campaña de marketing, la crítica y el público lo abrazaron casi de inmediato.

Tampoco todos dentro de la banda estaban convencidos. Mike Love chocó con varias de las letras y con el abandono definitivo del sonido y temática que los había hecho famosos. El resto de los Beach Boys no sabía muy bien qué hacer con un álbum tan distinto a todo lo que habían grabado.

Y quizás ahí estaba el verdadero problema: Pet Sounds mostró que Brian Wilson ya podía construir algo extraordinario prácticamente por su cuenta, ignorando incluso a sus compañeros y a las tendencias musicales de su tiempo.

Aún así, eso es medio una mentira, porque sigue siendo un disco de los Boys: Mike, Al y Carl tienen sus oportunidades de brillar y por encima de todo, las hermosas armonías grupales son las que terminan haciendo al disco. 

¿Es uno de los discos más importantes e influyentes de la historia? Totalmente.

¿Es perfecto? No lo creo, pero llega a puntos tan altos que los temas más flojos o incluso un poco aburridos dejan de ser un problema. Vale más por la suma de sus partes que por sus fragmentos individuales.

Cumple su misión, y que bien que lo hace.

Shut Down Vol. 2 ~ The Beach Boys

Alerta de exceso de preguntas...

Shut Down Vol. 2 es el quinto disco de los Beach Boys, lanzado el 2 de marzo de 1964.

Este fue el primer álbum de la banda publicado después de la presentación de Los Beatles en el Ed Sullivan Show. Esto es clave, porque en el momento en que los Fab Four aparecieron en las pantallas estadounidenses, automáticamente todo grupo que no fueran ellos cuatro dejó de estar "en onda". Y sí, los Boys sufrieron la misma suerte.

¿Cuál es el problema? Que nuestros cinco ya tenían un disco prácticamente terminado, con apenas algunos overdubs pendientes antes de su publicación. Leí por ahí que Brian pensó en descartar el proyecto completo y volver a arrancar desde cero. Así de impactante fue el aterrizaje de los Beatles. Por suerte, no pasó.

Vamos primero con lo flojo: vuelven los instrumentales. Carl y Dennis aportan uno cada uno y no son malos, pero después de que Little Deuce Coupe los evitara, se siente como una pequeña regresión.

Sumale que regresan los covers, lo que también puede verse como un paso atrás, aunque su versión de Louie Louie está muy buena y Why Do Fools Fall in Love, un clásico del doo-wop, le sienta excelente a los muchachos.

Pero si hay algo que los Boys tienen que los Beatles no, es "Cassius" Love Vs. "Sonny" Wilson. ¿Qué es "Cassius" Love Vs. "Sonny" Wilson? Un sketch de tres minutos y medio donde Mike Love y Brian Wilson se burlan mutuamente de la voz del otro, interrumpidos por fragmentos de sus propias canciones y comentarios del resto de los miembros del grupo. ¿Es relleno? Sí. ¿Es una excusa para currar de los hits previos? Sí. Pero pucha que es hilarante, y en retrospectiva lo es todavía más teniendo en cuenta el deterioro de la relación entre ambos miembros.

Bueno, ahora sí, Don't Worry Baby. ¿Qué puedo decir que ya no se haya dicho? Poco.

Es una hermosa balada, una de las mejores de la historia, con una melodía angelical acompañada de ese hermoso falsete de Brian y las armonías etéreas del grupo. Hasta su solo de guitarra minimalista es perfecto.

La canción fue creada como una respuesta a Be My Baby de Las Ronettes. Phil Spector, productor del tema e ídolo absoluto de Brian Wilson (además de una de las figuras más desagradables de la historia de la música), dejó a Brian completamente obsesionado con su forma de trabajar. A partir de ahí, Wilson pasaría años intentando replicar ese estilo de producción, para eventualmente superarlo.

Después de "Baby" cualquier cosa parece un poco más simple de lo que realmente es. Pero Fun, Fun, Fun tampoco necesita ser una obra maestra: es un rockerito divertidísimo a lo Chuck Berry, que logra la hazaña imposible de rimar now con now y les dio a los Beach un hit más para la lista.

También tenés otros dos grandes lentos muy bien producidos, como son Keep An Eye on Summer y The Warmth of The Sun (Este último inspirado en el asesinato de Kennedy). Y como último detalle para destacar, In The Parkin' Lot tiene lo que creo es la primera referencia al sexo en una canción de los Boys.

Shut Down Vol. 2 desborda variedad y extrañeza. Se nota que la banda está queriendo salir de su zona de confort, pero todavía no puede. Hay bastante de lo que agarrarse, aunque los niveles de consistencia de canción a canción varían bastante, sin tener nada que pueda llamarse malo o poco disfrutable. Y obvio, también tenés la que es tranquilamente la mejor canción en la historia del grupo; no se puede competir contra eso.

Ah, y si se preguntan por qué se llama Shut Down Vol. 2, es en parte por el instrumental dentro del álbum, y porque técnicamente es una secuela a la recopilación del mismo nombre (Véase Little Deuce Coupe).

Reseña Musical: No me gusta "Instant Karma!"

En el interín entre el lanzamiento de "Abbey Road" y "Let It Be", los Beatles ya se habían separado, aunque fingían demencia frente al mundo para no alarmar a nadie. El primero en "divorciarse" del grupo fue John Lennon, aunque lo hizo en secreto. Recién cuando Paul McCartney empezó a promocionar su debut solista y soltó la bomba de que los Beatles no pensaban seguir haciendo música juntos, es que todo salió a la luz.

Durante ese tiempo, John quedó en una especie de limbo: ya no tenía por qué seguir participando en las actividades de su ex banda, pero tampoco podía decir abiertamente por qué no lo hacía. 

Su carrera solista venía gestándose desde hacía un tiempo, con los discos experimentales junto a Yoko Ono y el lanzamiento de “Give Peace a Chance”, pero fue con "Cold Turkey" e  "Instant Karma!" que presentó su primer material verdaderamente solista fuera del marco de los Beatles.

No voy a seguir dando vueltas: "Instant Karma" no me gusta. Es una gran canción, pero suena para el culo, con todas las letras. Escrita, grabada, producida y lanzada en apenas 10 días, y se nota. Phil Spector, que llevaba cuatro años retirado (desde 1966), fue elegido por Lennon para producirla.

Phil Spector es un monstruo de persona, para mal, y lo único bueno que hizo en su vida fue inspirar a Brian Wilson (QEPD). Como productor, su técnica se basaba en agregar todo lo que pudiera a una canción hasta abrumar al oído, buscando que todo sonara como un bloque. La famosa "Pared de Sonido".

"Instant Karma" tiene una melodía buenísima, un estribillo excelente, súper pegadizo, y un mensaje interesante y filosófico sobre cómo el karma puede llegar de forma instantánea, en el mismo momento en que hacés una mala acción. Pero la manera en que fue grabada y mezclada arruina totalmente la música.

Veamos quiénes participaron en la canción (Per Wikipedia):

• John Lennon – voz principal, guitarra acústica, piano, coros

• George Harrison – guitarra eléctrica, piano, coros

• Klaus Voormann – bajo eléctrico, piano eléctrico, coros

• Alan White – batería, piano, coros

• Billy Preston – órgano Hammond, coros

• Yoko Ono – coros

• Mal Evans – campanas, palmas, coros

• Scott CerJance – pandereta

• Allen Klein y miembros del Hatchett Club de Londres – coros

Ya con leer los dos primeros nombres uno pensaría que la canción tiene que ser excelente, imposible dudarlo. Sigamos leyendo.

Klaus Voormann diseñó la portada de "Revolver", y como bajista es bastante bueno.

El Alan White que yo conozco es el de Oasis; este es otro. Fue baterista de Yes, pero no mucho más sé de él. Juzgándolo solo por su trabajo en este tema, es un baterista creativo. Lo que más le puedo criticar es que los fills que hace están fuera de ritmo y desentonan un poco. En cambio, las acentuaciones de crash que mete sobre los gritos de John en el estribillo le suman mucho. Sin eso, todo se sentiría más vacío.

Billy Preston colaboró con los Beatles durante las sesiones de "Get Back", y también en sus carreras solistas. 

No se puede dudar del talento de estos músicos, entonces, ¿de quién es la culpa? De Phil Spector.

La canción parece grabada adentro de una cueva. La voz de Lennon está bañada en eco; la batería suena seca, sin fuerza, como si le pegaran a un pedazo de goma. El 80% de los instrumentos ni se escuchan: solo piano y batería, con las palmas superpuestas al redoblante que hacen que todo suene medio infantil.

Por suerte, algunos de estos problemas se corrigieron en los "Ultimate Mixes" que hizo Sean Lennon hace poco. El video musical que dejé arriba usa esas nuevas mezclas. Mejoran el paneo estéreo y le bajan un poco al eco en la voz de Lennon, lo cual ya ayuda bastante.

Spector siguió haciendo estragos en el mundo Beatle por un tiempo, produjo Let It Be y All Things Must Pass y les robó su personalidad, y continuo trabajando esporádicamente con Lennon hasta 1975. Todo terminó cuando se robó las cintas de "Rock and Roll" a punta de pistola y se fugó para regresar un año después.

EN FIN. Estoy expandiendo mi scope de reseñas por fuera de las historietas para ver como me siento. Nos veremos en la próxima, todo a su tiempo.